ちょっと大それたタイトルをつけてしまいました。 河戸さんの思いを、うまく伝えられるか自信はありませんが、 聞いたこと、 観て感じたことをしたためてみました。

会場に入ると、1枚1枚の絵をじっくり鑑賞している人がいた。 　しばらくすると、また1人、そしてまた1人と。 　偶然にこの展覧会で顔を合わせ、話し込む人もいた。どの人も、河戸さんの作品作りにかける熱い思いに触れて、勇気をもらって帰って行く。
	絵を描くことは、彼の本業ではない。隙間の時間をつなぎ合わせて、2年間に32枚の作品を仕上げるのはたいへんだろう。 　作品を搬入する直前まで、絵筆を動かして、何とか間に合わせたものだとか。
6人展にすれば、描く絵は６分の１ですみ、客も６倍になる。個展は苦しいけれど、この空間を自分色に染めることができる。 　会場を自分の新しい作品で埋め尽くすことは、自分への枷であり、やりがいでもある。
	見に来てくれる人の中には、今の職場の人もいれば、これまでに関わってきた人も多い。中には、２０年以上も前に関わっただけなのに、遠くて訪ねられないからと、花を届けてくれた人もいたとか。
本業の合間を縫っての作業は、並大抵ではない。実際の風景をスケッチするだけの時間もなくて、デジカメで撮った写真を参考にすることも多い。 　しかし、デジカメで撮った写真は平面的で奥行きがない。その場で見た印象を大切にしているのだとか。
	絵とは不思議なものである。 　近づいて見たときと、離れてみたときでは、全く見え方が異なる。 　近づけば筆のさばきがよくわかる。しかし、下がってみると、それが光になり、風景になる。
海の絵も多くある。 　海面のうねりが、まるで生きているような風景を作り出す。
	漂う波を表現するために、何度も何度も塗り重ねていくのだという。
ガード下、裏町。そういったところを好んで描いている。一見くらい絵のように感じられるが、見ていると絵に込められた温かさが伝わってくる。 　写真にはない、陰影と奥行き。 　本物のすばらしさは、写真では伝えられない。まだ本物を眼にしたことのない方も、２０１０年の８月に、ぜひ札木画廊へ。
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